Текст с конверта грампластинки 1979 года:
Многие музыкальные жанры зародились в Италии. Среди них – жанр сольного концерта. У его истоков стоят два крупных композитора того времени — Томазо Альбинони и Антонио Вивальди. Их творчество тесно связано с вольнолюбивым духом Венецианской республики, обладавшей широкими демократическими традициями. Стремление к яркости, выразительности, общедоступности музыки было важным стимулом для возникновения концертов Вивальди, Альбинони и других мастеров.
Антонио Вивальди (ок. 1678–1741) — крупнейший композитор Италии эпохи барокко. Его творчество охватывает самые разные жанры — оперы, кантаты, симфонии (увертюры), сонаты. Но центром его творческих исканий был концерт. Поражает уже само количество концертов, написанных Вивальди для различных инструментов — свыше 400 (!). Любимым инструментом композитора была скрипка. Вивальди славился как скрипач-виртуоз, послушать которого приезжали из других стран. Для скрипки с оркестром написаны и многие из его лучших концертов.
Концерты Вивальди, как правило, имеют трехчастное строение. Лаконичное и ярко контрастное сопоставление темпов (Allegro — Grave — Allegro) выражает внутреннюю сущность его музыки – страстной, импульсивной, порывистой, энергичной. Образы Вивальди полны романтической красоты и силы. Это проявляется как в стремительных темах быстрых частей, так и в наполненных лиризмом мелодиях медленных частей. Концертам Вивальди присуща почти театральная яркость и красочность, средние части напоминают патетические арии из опер. Такая связь не случайна. Антонио Вивальди, как и другие композиторы, жившие и творившие в Венеции, не раз писал для музыкального театра. В его инструментальной музыке часто слышится почти вокальная выразительность. Рондообразная структура, до Вивальди и Альбинони бывшая принадлежностью арий, также проникает в жанр концерта. Первые части концертов Вивальди основываются на чередовании 2-х основных контрастирующих разделов. Один из них — оркестровый, другой — сольный. Это противопоставление станет впоследствии ведущим в классическом концерте.
Творчество Франсуа Куперена (1668–1733), прозванного «Великим», оказало сильное влияние на французскую инструментальную музыку XVIII века. Смелый и самобытный художник, он сочетал в своих творениях ясность классицизма и изящество отделки стиля рококо. Его индивидуальность не укладывается в рамки какого-то одного направления. Творчество Куперена охватывает область клавирной (клавесин) и органной музыки, а также сферу камерного оркестра. Франсуа Куперен родился в Шом близ Парижа в семье потомственных музыкантов. Вначале он служил органистом в парижской церкви Сен-Жерве, а затем в качестве клавесиниста и учителя музыки при дворе короля Людовика XIV.
Обычные составы, для которых писал композитор, — трио и квартет. Свои ранние трио-сонаты Куперен писал под непосредственным влиянием итальянской музыки, в частности, сочинений Арканджело Корелли. В дальнейшем, опираясь на эти традиции, композитор создает свой индивидуальный стиль и становится основоположником французской трио-сонаты и французского инструментального концерта. Своеобразие французской инструментальной музыки во многом связано с танцевальной сюитой. Сюита — цикл, состоящий из контрастных по темпу и настроению пьес, нередко носящих танцевальный характер. Композиционный принцип танцевальной сюиты Куперен часто использовал в клавирной музыке, а также в сочинениях для инструментального ансамбля. Концертные пьесы для виолончели и струнного оркестра представляют собой разновидность сюиты в концертной манере исполнения. Каждая из пьес имеет программный заголовок: «Прелюдия» носит меланхолический характер. Имитации, переклички в разных голосах способствуют связности, плавности изложения. «Сицилиана» — стилизация популярного итальянского танца. Покачивающийся, грациозный ритм, мягкий, нежный колорит создает атмосферу безмятежности и покоя. «Труба». Само название говорит о звукоподражательности музыки. Своеобразие пьесы заключается в том, что струнные инструменты подражают духовым. «Жалоба». Легкая печаль в музыке пьесы подчеркивается своеобразным приглушенным тембром инструментов, который достигается применением сурдины. «Ария дьявола» завершает сюиту. Ее название — скорее дань моде времени, чем выражение программного содержания музыки. Энергичное движение, большая сила звука (ff), широкие решительные скачки в мелодии — таков характер финала «Концертных пьес» Куперена.
Томазо Альбинони (1671–1750) считают одним из основоположников сольного концерта. Его имя долгое время находилось в тени имен великих современников композитора — Вивальди, Баха. Однако Бах ценил музыку Альбинони и не раз использовал его темы в собственных сочинениях. Главные интересы композитора лежали в сфере оперы, однако в историю музыки вошли прежде всего концерты Альбинони. В ранних концертах он еще опирается на принципы и структуру «concerto grosso», но в зрелых сочинениях, к которым относится и концерт для гобоя с оркестром op. 9 № 2, индивидуализация солирующего инструмента нарушает классичность формы «concerto grosso». В концерте ре минор с большой полнотой выявляются виртуозные и мелодические качества гобоя как солирующего инструмента.
Джан Франческо Малипьеро (1882–1973) — видный музыкальный деятель. В 1898 году он окончил Венскую консерваторию по классу скрипки, а в 1902 году — музыкальный лицей Бенедетто Марчелло в Венеции по композиции. Помимо сочинения музыки, Малипьеро уделял много времени редактированию и изданию произведений старых итальянских мастеров (Монтеверди, Вивальди). Он руководил созданным в 1947 году в Венеции институтом публикаций сочинений Вивальди. Малипьеро — автор нескольких опер (трилогия «Орфеиды», «Юлий Цезарь», «Венецианская мистерия» и др.), балетов, симфоний, концертов, фортепианных и вокальных произведений, а также сюиты «Вивальдиана», представляющей собой свободную обработку и новую инструментовку музыки Вивальди (о творчестве Вивальди Малипьеро написал книгу, вышедшую в Милане в 1958 году). Неоклассицистские тенденции, типичные для многих композиторов XX века, проявились и в музыке «Диалогов» Малипьеро. На протяжении 1956–1957 годов им было написано 8 «диалогов» для разных составов. «Диалоги для альта и оркестра» раскрывают увлечение композитора итальянской музыкой XVIII века. Ремарка «quasi concerto», предпосланная музыке «Диалогов», подчеркивает опору на композиционные принципы, свойственные итальянскому концерту эпохи Альбинони и Вивальди. «Диалоги» Малипьеро — как бы переосмысление композитором XX века норм и закономерностей музыки XVIII столетия. Первая часть открывается драматическим диалогом альта — это как бы каденция солирующего инструмента. Затем тему подхватывает оркестр. Вся часть строится на сгущении и разрежении тематического материала, его разнобразных трансформациях, в том числе и полифонических. Вторая часть — свободная как бы бесконечная мелодия альта на фоне ярких ходов басового голоса в оркестре. Звучание фортепиано расцвечивает оркестровую ткань. Третья часть, финал «Диалогов», написана в быстром темпе (Allegro), в неуклонном движении вперед. Скерцозность этой музыки имеет несколько мрачноватый оттенок. Шутливый характер среднего раздела подчеркнут перекличками отельных чистых тембров — фортепиано, духовых, струнных. К концу движение еще больше ускоряется и на первый план выступает звучание солирующего альта.
